Têm assuntos que viram discussões coletivas entre gente que nem se conhece, e foi exatamente ao que assistimos de camarote no último mês graças à repercussão de parte dos desfiles que aconteceram na primeira edição do Rio Fashion Week, ocorrido entre 14 e 18 de abril. Um texto opinativo publicado na Folha de São Paulo semanas depois apontou quais os looks que, em teoria, teriam sido copiados por marcas nacionais a partir de desfiles de grifes internacionais, o que gerou uma polarização descomunal entre defensores da moda nacional a despeito da hipótese da cópia e promotores da crítica da moda sem filtro e sem vieses.

Bom, ânimos acalmados e assunto esfriado, o que sobra disso tudo é que, na minha opinião, a moda nacional está sim vivendo um período de crise criativa. A concorrência é grande; os grandes players de varejo internacionais estão tomando o mercado de assalto; quem vende à beça não exatamente vende originalidade. O que está acontecendo é que, quem sempre foi sinônimo de autoralidade, está inseguro, para não dizer desencorajado, de ousar e criar a partir do seu instinto mais visceral.

É preciso ter coragem e confiança para criar. É preciso ter espaço, se sentir livre. É preciso poder navegar em um ambiente fértil, receptivo. É preciso bancar a sua criatividade – muitas vezes, não se pode. O custo fixo é alto, a receita é mais rarefeita do que já foi um dia, a competição com a imagem-desejo que cruza fronteiras e fica sendo promovida em looping na rede social é absolutamente desleal.

Quem produz moda vive uma crise criativa porque o consumidor também vive – está cada vez mais difícil para o grande público não se encantar pelo que é mais parecido com o que é feito lá fora, em contrapartida a se educar e afinar o olhar a partir do que é produzido de maneira genuína por aqui mesmo. A situação é mais lamentável que condenável, infelizmente.

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Falando em criação original… Maio foi também o mês da temporada de desfiles cruise, ou seja, dos eventos que acontecem em diferentes pontos do globo com o objetivo de esquentarem a conversa dos grandes players de moda internacionais, que apresentam na ocasião sua coleção cruzeiro, ou resort. Inicialmente, o intuito de tal rotina era oferecer um guarda-roupa de prêt-à-porter para as férias de verão das clientes de marcas como Chanel, Dior, Gucci e Louis Vuitton.

Quando ingressei no jornalismo de moda, em meados da primeira década do século 21, as cruise collections se estabeleceram como uma oportunidade para as casas de moda reunirem clientes, imprensa e formadores de opinião e a eles entregarem uma versão um tico mais comercial do que levavam para Milão e Paris nas semanas oficiais a partir de uma viagem temática cuja programação compreendia festas, jantares e passeios turísticos.

Em 2026, meus caros, a coisa toma oficialmente outra proporção. Cada vez mais as marcas de luxo precisam mostrar quão forte e poderosa é sua tração como monopolizadoras da conversa de instante. Em outras palavras: não basta fazer roupa bonita, não basta ser criativo, não basta organizar passeio de barco ou jantar dançante. É preciso fechar a Times Square, como fez a Gucci para o desfile-espetáculo do último dia 16 de maio; ou então parar o LACMA, museu de arte mais importante de Los Angeles, e tratar seu show com os requintes de um set de cinema hollywoodiano, a exemplo da iniciativa da Dior, uma semana antes. A Chanel levou centenas de pessoas a Biarritz, na costa basca, remontando o cenário encontrado por Coco Chanel quando inaugurou sua primeira boutique de alta-costura, quase um século antes.

De roupa atoalhada para levar na mala do cruzeiro aos números bilionários de alcance medidos pelas redes sociais sem escalas. Hoje, a conversa gira muito mais em torno do potencial de entretenimento do que das propostas de vestir, calçar e etc, até porque as roupas seguem sendo um espetáculo à parte, mas sobre isso ninguém quer gravar muito reels não — difícil demais competir com um Tom Brady na passarela viralizado na rede vizinha.

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Nada faz um estoque de loja esgotar tão rápido quanto uma bela colaboração entre uma grife de luxo e uma grande rede de varejo. No mês que passou vimos – ou melhor, nem chegamos perto de ver – a coleção coassinada entre H&M e Stella McCartney sublimar no ar no minuto em que foi disponibilizada online via site ou aplicativo da primeira. Nem mesmo quem colocou o despertador para tocar conseguiu comprar um moletom de unicórnio para chamar de seu.

Fenômeno parecido se deu poucas semanas depois, quando a Havaianas lançou sua parceria com a estilista francesa Isabel Marant, promovendo filas quilométricas em busca dos pares de borracha em versão tie-dye ou acolchoados e enfeitados com tachas, ambos recursos decorativistas de apelo boho através dos quais a designer construiu desejo universal para bem além da Rive Gauche.

Nenhuma sacada, no entanto, foi melhor que a reunião da relojoaria suíça centenária Audemars Piguet com a americaníssima Swatch. Nos últimos anos, enquanto a primeira soube tornar sua assinatura – o modelo de caixa octogonal Royal Oak – cada vez mais desejável, sobretudo entre mulheres fashionistas, segmento tradicionalmente pouco interessado em mecanismos complexos de medição do tempo, a segunda foi ficando cada vez mais cansada ao não propor praticamente nenhum gatilho de desejo para seus relógios de borracha na última década inteira.

O pulo do gato foi o anúncio da parceria, que causou frisson logo de saída, visto que toda a população aficcionada pelo Royal Oak imediatamente sentiu que finalmente poderia ver algo similar no pulso, seguido pela apresentação do produto, um modelo de bolso (reforçando essa parte: DE BOLSO) feito de biocerâmica batizado Royal Pop, já que é todo tingido de tons saturados engenhosamente combinados entre si.

Criar o desejo e imediatamente recolhê-lo no bolso – e o trocadilho aqui é mais que válido – é uma estratégia brilhante porque assegura a manutenção do sonho pelo exemplar original de milhares de dólares enquanto não o disponibiliza de fato à conversa popular. Para isso, o efeito placebo precisa ser interessante, portanto nenhum parceiro seria mais adequado que a Swatch, já que a marca também carrega uma assinatura própria: cores sortidas e o uso do plástico no lugar do metal.

Em se tratando de fomento do desejo de marca, entregar seus códigos-chave de bandeja através de uma versão baratex nunca foi a melhor estratégia; fingir que entrega, no entanto, é da hora!

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Engana-se quem acredita que pegará comigo dicas de filmes fashion ou seriados sobre o mundinho da moda. Até gosto, assisto a todos, mas me sinto cada vez mais seletiva quando o assunto é entretenimento e cultura porque o que me interessa, definitivamente, é aquilo que me ensina, me faz pensar e me modifica – e que até pode entregar uma estética superelegante e falar de moda, mas não apenas.

Foi o que senti ao final do sétimo episódio de DTF St.Louis, da HBO Max, estrelado pelos excelentes Jason Bateman e David Harbour. A trama se desenrola a partir da dinâmica entre três pessoas quase medíocres, com trajetórias de vida relativamente insignificantes, em uma cidadezinha genérica nos arredores de Chicago, nos EUA.

O estômago começa a embrulhar aí porque é impossível não deprimir – aka se identificar em algum grau – com o trio, mas o que começa com um mal estar se transforma ao longo da narrativa no testemunho de um amor real, forte e profundo, e entre os indivíduos mais improváveis entre as possibilidades combinatórias disponíveis.

A moda costuma chegar ao cinema ainda com o brilho da passarela, mas dois filmes propõem rotas bem diferentes, e complementares, para olhar a indústria por dentro.

Em Couture, Alice Winocour usa a Paris Fashion Week como pano de fundo para uma história sobre vulnerabilidade. Angelina Jolie vive uma cineasta que descobre um câncer em plena semana de moda; ao lado dela, uma modelo sul-sudanesa em começo de carreira e uma maquiadora de bastidor. O desfile não é protagonista. O que interessa à diretora são as relações que acontecem nas margens da passarela, longe do flash. Um retrato delicado de três mulheres dentro da mesma indústria com experiências radicalmente distintas, que só tem a ganhar por não tentar explicar demais o que mostra.

I Love Boosters, de Boots Riley, vai na direção oposta com a convicção de quem já sabe exatamente o que quer destruir. Com o humor ácido que é sua marca registrada, o diretor acompanha um grupo de shoplifters liderado por Keke Palmer enfrentando uma magnata da moda vivida por Demi Moore. A estética é vibrante, as situações são absurdas e a intenção é cirúrgica: desmontam-se ali, com prazer quase indisfarçável, práticas que a indústria normaliza há décadas, com os desconfortáveis exemplos: exploração de mão de obra, plágio de design, concentração de poder econômico nas mesmas mãos de sempre.

Um filme olha para as pessoas que habitam a moda; o outro, para o sistema que as mantém no lugar. Assistir aos dois seguidos é quase um exercício de saúde mental para quem trabalha no setor.

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Do relógio que é uma verdadeira joia à versão pelúcia da oncinha, a graça é editar segundo a originalidade – e o bom humor – em busca do look que entrega linguagem de moda e despretensão ao mesmo tempo.

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Meu plano para a nona edição da Barbaridades era trazer alguma pensata em cima da minha visita à SP-Arte, que aconteceu entre os dias 8 e 12 de abril em São Paulo, capital. Não consegui, e não foi porque não fui capaz de chegar a uma conclusão qualquer. Não tive insight porque não vi obra alguma. Estive na feira na quarta-feira de pré-abertura, data fechada para convidados do evento e dos expositores. Ali passei algo como três horas concentrada na gravação de um vídeo sobre uma peça de mobiliário lançada por um player importante do universo do design, e de outro que consistia em comentar de maneira espontânea e sem roteiro os looks de quem circulava pelos corredores. Fiquei satisfeita com ambos os conteúdos, mas entre gravar e me dedicar minimamente aos encontros fortuitos com gente conhecida, eu literalmente não olhei para uma única parede.

Depois de quarta-feira não consegui mais brecha na agenda para voltar à Bienal e, de fato, usufruir do melhor que a feira tem a oferecer, e talvez a culpa da falta de insight seja, portanto, do meu alto contingente de compromissos. Mas fiquei aqui pensando quantos dos milhares de visitantes que pisam ali estão de fato buscando que a arte lhes traga uma faísca de iluminação ou inspiração? Quantos leem as plaquinhas que acompanham as obras para ao menos saber quem é o autor daquilo que lhes interessou num primeiro momento?

A dinâmica social que se configurou num evento desse porte por si só já justifica muitas das presenças desinteressadas, e tá tudo bem também. Todo mundo sabe que arte virou território especulativo e ferramenta altamente valiosa no jogo de conquista de pertencimento. Só lamento, de leve, que se perca o interesse em usá-la como objeto de entendimento do mundo, de autoavaliação e, por que não, de automodificação também.

Tantos pontos de vista ali exprimidos, tão pouco interesse em atentar para eles. E isso não é só sobre a SP-Arte, é sobre tudo aquilo que carrega uma vocação espiritual primordial e que já derivou para um mecanismo que mais tem a ver com parecer do que ser.

A turma que trabalha comigo nos bastidores da produção do meu conteúdo já me perguntou algumas vezes quando eu falaria sobre a chegada da Bershka ao Brasil. Toda vez respondo a mesma coisa: não tenho o que falar, desconheço detalhes. Tá bom, eu sei que ela passa a integrar o corpo de grandes redes internacionais de varejo, que entende que está na hora de fincar bandeira por aqui também, mas a comunicação da inauguração da operação da Bershka em si não me impactou com profundidade porque ela nem tinha que impactar, e é justamente esse posicionamento que me fez refletir sobre o papel do que é entendido como fast fashion nos dias de hoje.

Tudo começa com o próprio conceito de fast fashion. O que era disruptivo e inovador no início dos anos dois mil se tornou sinônimo de tudo o que a turma da moda não deseja mais ser, ainda que, na prática, o seja. Em 2026, ninguém mais quer comunicar que vende roupa descartável, concebida a partir de valores voláteis e construída com matérias-primas e processos mais ainda. Mas logicamente sempre houve e sempre haverá espaço para quem quer comprar uma boa peça por um bom preço, e é por isso que Zara, H&M, Bershka e afins sempre terão um belíssimo share ao sol no universo do varejo. O tipping point está no como contar isso para o grande público.

A Zara traçou uma estratégia arrojada e, na minha opinião, brilhante. Mirou no premium de nicho. Independente do produto, sua maneira de vendê-lo é tão semelhante com a de qualquer marca francesa de luxo. Com os melhores fotógrafos, stylists e colaboradores no pay check, investiu em construção de valor percebido, transformando qualquer blusinha simples num item de moda, de desejo, de alto valor agregado. Lançar colaborações com nomes fortes também ajuda, mas repare que ela vai além ao pensar em artistas plásticos em ascensão, como o brasileiro Samuel de Sabóia; ou estilistas experts em couro cult, como Willy Chavarria, só para citar as duas parcerias mais recentes.

Não é sobre se associar a nomes que farão fila na porta de gente desesperada para ter uma versão baratex de sua grife favorita - é sobre construir um portfólio criativo que chancela a pretensão educativa por trás da gigante. “Quero te mostrar como a gente pensa elevado”, é a mensagem que leio a partir dessa estratégia, e de quebra os precinhos vão aumentando e a gente vai entubando sem grandes dificuldades.

A Bershka, no caso, vem justamente para ocupar esse lugar do varejo rápido para a turma de 20 e poucos que a Zara deixou meio de lado em detrimento de uma turma mais “educada” e mais monetizada também, oferecendo a modinha esperta de ocasião para quem começa a se emancipar dos pais. Não fui convidada para a festinha porque eles nem querem que eu esteja por lá - bom saber que tô no outro grupo (risos).

Mas para a inauguração da H&M no Brasil eu fui convidada e testemunhei um verdadeiro cross cultural entre marca entrante e destino. Os suecos mergulharam nos nossos códigos e convocaram um casting versátil para estrelar uma campanha especial fotografada por Rafael Pavarotti, paraense de nascimento e atualmente o grande nome da fotografia de moda internacional. Eles também se apropriaram da comunicação de metrôs e outros aparatos públicos, além de armarem um show a céu aberto no auditório do Ibirapuera com nomes do cacife de Gilberto Gil e Anitta, só para deixar bem claro que sua caravana chega com força e com fôlego de quem quer falar a nossa língua.

Alguém falou em roupa em algum momento? Não falou porque pouco importa. Quem quer vender muita roupa, hoje em dia, precisa ter bem definido qual história quer contar e para quem. O resto só vem!

Da roupa mais em conta para a menos. Outro objeto de estudo é a vocação da alta-costura nos dias de hoje. Pensando que o métier nasceu para vestir as damas da sociedade numa época em que o mundo, como um todo, estava longe de conhecer a linha de produção, e que cada indivíduo que tivesse acesso a tais serviços geralmente buscava o criativo que melhor soubesse traduzir em forma de vestimentar a sua personalidade, o que se vê hoje em dia é bem diferente.

A alta-costura, ou o criar e costurar sob demanda, é menos sobre quem procura e mais sobre o procurado. Se você pensar, esse mercado tão especializado em que o céu – e os valores – são o limite, segue mais vivo que nunca porque ele entrega em bandeja de ouro aquilo que antes existia em fartura e que hoje é escasso: assinatura.

Ninguém mais precisa ir a um costureiro para se vestir, e a ideia de ter algo exclusivíssimo, feito apenas para você, restringiu-se quase que somente às noivas, sendo que nem elas são tão exclusivas assim, visto que dez entre dez vestidos que observamos são mais genéricos, impossível.

Escolhe-se a marca - e o autor - cujos códigos deseja-se apropriar como sendo seus, porque sim, eles estão mesmo à venda. Ao contratar um desenho que se transformará em uma peça bordada à mão por centenas de horas, o que está se comprando é um valor, uma chancela se isso for interessante para o indivíduo por qualquer que seja o motivo. Estilo pessoal, aquele que traduz aquilo que de mais pungente se tem por dentro, não é mais ali exatamente que a gente encontra.

Tenho fascinação pelo Salone Internazionale del Mobile di Milano, evento este que nunca tive a chance de frequentar, mas que gostaria, ainda que não seja uma especialista em design de mobiliário e nem trabalhe com interiores. Meu interesse, inclusive, está muito mais nas narrativas construídas na hora de apresentar os produtos que nas peças em si.

De uns anos para cá, o que temos observado é um crescente assédio das marcas, incluindo as de moda, para se juntarem ao circuito e desenharem histórias dinâmicas que posicionam seus valores e crenças para bem além da tração comercial que suas linhas comerciais impliquem. A Miu Miu articulou um clube do livro na ocasião, por exemplo, reforçando sua vocação como empoderadora da força intelectual feminina.

Já a Louis Vuitton estendeu um tapete monumental no Palazzo Serbelloni, em uma iniciativa colaborativa com estudantes da Academia de Belas Artes de Brera. A marca possui a coleção Objets Nomades, focada em itens para a casa muito especiais, ainda que nenhum deles esteja apresentado ali naquela ocasião específica.

Situação semelhante à da Hermès, dona de uma linha maison bem desenvolvida, mas ainda assim não se limita a ofertar as peças tal como numa simples mostra. A marca francesa elaborou uma cidade abstrata de objetos cuja cenografia organiza móveis e objetos de couro se deslocando em um percurso de estruturas modulares, algo que esbarra no teatral e no performático.

O que podemos aferir dessa movimentação toda é que, luxo, atualmente, não se limita apenas a uma manufatura muito particular ou uma matéria-prima muito sofisticada. É sobre a associação com o ambiente artístico e a produção intelectual.

Chegar nesse nível de contação de história não é para qualquer varejista que tem a pretensão de produzir uma peça de roupa ou um acessório que até parece similar ao da grife quando observado pelo prisma genérico das redes sociais.

A distinção precisa ser estrutural e conceitual, precisa ocupar espaços particulares e envolver as pessoas de dentro para fora. Entregar embalagem ficou fácil demais nos dias de hoje.

Aberta a temporada dos conjuntos peludos e dos tons saturados que animam beges e terrosos - e não esqueça das táticas de hidratação profunda da pele!

Eis a minha oitava newsletter e – antes tarde do que nunca – finalmente tive um momentinho Eureka meio libertador. Cheguei à conclusão que este é o canal perfeito para emitir aquela opinião que poderia ser um pouco controversa em outros canais, mas que aqui vai passar totalmente ilesa de hate. Não tô falando que quero sair escrevendo barbaridades reais por aí, jamais faria isso, primeiro porque engajamento a partir de assunto inflamado não me interessa; segundo porque realmente acredito e prego o livre arbítrio: pagando suas continhas, cada um faz o quiser da sua vida e não deve satisfação a ninguém.

Contudo, todavia, entretanto, sempre tem aquele assuntinho um tico mais delicado sobre o qual eu até gostaria de comentar, mas não devo, então não faço. Eis o lugar para isso: quem para seu dia cheio para ler a minha newsletter não tá scrollando um feed de Instagram em busca da primeira polêmica para regurgitar sua opinião, mas de fato entende o contexto das coisas que coloco e, ainda que não concorde, respeita. Nossa, colocando dessa forma até parece que estou descrevendo Nárnia, de tão utópico que ficou o conceito.

Tudo isso para dizer que, nas últimas semanas, estou obcecada com o fenômeno “comprou, postou” quando o assunto é a nova coleção da Chanel por Matthieu Blazy, que chegou às lojas da marca pelo mundo no início de março e já teve praticamente todos os hits esgotados em tempo recorde. O esgotar, na verdade, nem é o que mais me surpreende. Em se tratando da máquina Chanel, que compila do desfile mais apoteótico da temporada internacional às campanhas mais surrealmente bem pensadas, a coisa toda é construída para isso mesmo.

O que me intriga é que não basta chegar primeiro, é preciso postar logo e mostrar que… “yes, we can!”. Comece a relembrar quantas fotos de feed – stories não vale – cruzaram seu caminho com a bolsa Maxi Sac À Rabat, de alça média e fecho duplo C como único efeito decorativista; ou então com a Petit Sac À Rabat, sua versão menor e mais estruturada; ou melhor ainda: os escarpins de bico quadrado com efeito croco parcialmente tingidos de azul turquesa, a cor mais proscrita da moda desde sempre. No meu feed, foram dezenas, e quem são as felizes compradoras? The usual suspects. Tá tudo certo, tá todo mundo cumprindo seu papel na roda viva do rolê, nada de novo no front, mas o que me pergunto é: quem gosta de turquesa de verdade? Quem se identificou profundamente com as bolsas sem corrente alguma, sem detalhes, sem pérolas? Quem elaborou por um minuto antes de passar o cartão?

Tenho dúvidas reais se o comportamento de consumo algum dia vai ser um pouco menos imediatista e um pouco mais elaborado no sentido de que, antes de comprar o que todo mundo deseja, o ideal seria comprar o que tem a ver com a gente, ou não? Se você pensar bem, o encontro entre uma estratégia de linguagem efetiva com a força de efeito manada das redes sociais é explosivo porque ele destrói a possibilidade de ponderação de quem de fato participa da engrenagem, e não apenas assiste. Ela lima o poder de construção da persona individual colocando o indivíduo num platô comportamental absolutamente previsível.

Ah, sempre bom falar que eu também estive na loja, em Paris, no primeiro dia de venda da coleção nova, e eu também tenho um sapatinho bicolor novo pra chamar de meu. Mas dele vocês não viram a caixa, não viram o lacinho e, se me viram usando, duvido que notaram que era um dos primos dos modelos viralizados no Tik Tok.

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Duas situações distintas envolvendo uma mesma marca de luxo me fizeram refletir sobre o papel que a categoria (de marcas de luxo) ocupa nos dias de hoje e nas estratégias de sobrevida e manutenção de relevância das mesmas.

Mais uma vez estive no resee da Loewe no dia seguinte ao seu desfile, ocorrido em Paris em março último, e novamente encontrei uma série de looks que propõem a reinvenção da silhueta e a investigação de materiais que supera em muito o que a maioria de suas “colegas” anda fazendo. Colocando dessa maneira tem-se a sensação de que o que vi ali era sério, e é mesmo, a diferença é que há bom humor de sobra na subnarrativa de tais criações complexas, o que muda totalmente o jogo.

Casacos infláveis, que você enche com a boca ou com uma bomba hidráulica em formato de pata de caranguejo; couro levíssimo que parece plástico e é moldado de maneira cilíndrica, como se fosse roupa de boneca; tons saturados, como amarelo, azul Klein e vermelho, que fogem dos onipresentes musgos e marrons das outras passarelas. A dupla norte-americana Jack McCoullough e Lazaro Hernandez, que assumiu ano passado a direção criativa da Loewe após a migração do brilhante Jonathan Anderson para a Dior, superou as expectativas propondo ainda mais ironia e ainda mais cor numa casa de acessórios de couro espanhola que, até Anderson, não tinha tradição com moda, e que tornou-se uma das players mais relevantes do globo justamente porque conseguiu bater recordes de venda com bolsas a partir de uma proposição de moda elevada e interessante do ponto de vista conceitual.

Os três têm mérito, mas tiro o meu chapéu para a gestão da marca por jamais ter deixado de lado, ao longo de seus 180 anos, o DNA artesanal que é seu verdadeiro core. Em 2016, a Loewe Foundation criou, na gestão de Anderson, o Loewe Craft Prize, que premia autores do mundo todo dedicados a empregar um novo olhar sobre as artes não acadêmicas, o que compreende toda a sorte de manualidades e artesanatos, da cerâmica à tapeçaria.

Corta para a última semana de março, quando estive na loja da marca no Iguatemi para lançar para suas clientes a coleção verão 2026. Minha apresentação foi dividida com Jessica Costa, finalista do prêmio em 2025 e primeira brasileira a conquistar tal visibilidade até hoje. Jessica me contou sobre como foi o processo de inscrição – totalmente aberto ao público –, de avaliação e de premiação, que aconteceu em Madrid e teve ninguém menos que Pedro Almodovar como anfitrião.

Jessica dedica-se a tapeçarias de médias e grandes proporções cuja linguagem está escorada em uma investigação de silhuetas humanas, o que resulta em formas orgânicas tingidas de tons secos e recortada a partir de densidades variadas, algo lindo de se ver, tocar e pensar sobre. Certamente a visibilidade conquistada graças ao Loewe Craft Prize mudou a maneira como o mercado brasileiro encara seu trabalho, que passou a ser enxergado com a devida reverência.

Senão a Loewe, a quem mais caberia essa responsabilidade? Esta não é apenas uma maneira de “devolver à sociedade”, é um método de criação de cultura e manutenção de legado, o que inclusive salvaguarda a marca de eventualmente perder seus talentos para outras casas e ter que substitui-los por outros tão competentes quanto. Por mais que se tenha talento de sobra, o indivíduo precisa encontrar uma história forte e consistente que passará a ser seu objeto de estudo, caso contrário, não há bom humor, ironia ou narrativa que faça o milagre das vendas acontecer.

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Você também sonha com uma praia exótica deserta e o barulho do mar como set ideal para as férias perfeitas? Martin Parr nunca sonhou. Sua pira sempre foram os litorais popularescos que atraem milhares de corpos desnudos, entregam o lado mais kitsch do comportamento consumista contemporâneo e compõem o que ele chamou de “lazer das massas”.

No início de março visitei a exposição Global Warning, no Jeu de Paume, em Paris, que revisita a obra do fotógrafo britânico Martin Parr, morto em dezembro do ano passado, e saí obcecada pelo olhar contundente – e hiper plástico – acerca do que a gente vive diariamente e nem se dá conta. Por 50 anos Parr rodou em mundo como um observador do comportamento humano, especialmente no que diz respeito ao lado mais grotesco do turismo, do culto à indústria automobilística, da nossa dependência tecnológica e do consumismo desenfreado. O fotógrafo nunca se colocou como um ativista, mas foi de uma vocalidade brutal quando pensamos em conceitos hoje muito em voga, tais como o aquecimento global, a rotina pautada no uso irrestrito do transporte motor a partir de combustíveis fósseis e até mesmo a ambivalência das relações humanas.

Percorrendo ali as salas do museu, que subdividem as obras de Parr a partir de temas sugestivos como “Leisure & Waste Lands”, “Last Chance to Buy”, “Small World” e “Technological Addictions”, o que vi foi uma uniformidade de linguagem e ponto de vista se pensarmos em como as imagens são compostas, em sua luz e nos tons saturados, mas que jamais foram forjadas para imprimir beleza. O britânico registrou a realidade nua e crua do mundo contemporâneo sem precisar contaminar a cena, e assim criou arte. Seu olhar sofisticado, mas extremamente bem-humorado e irônico, foram suficientes para que ele nos mostrasse que, no fim, somos todos mais parecidos entre si, mais previsíveis e mais vazios do que acreditávamos.

Será que esfria? A gente pode começar aquecendo a casa com velas cheirosas – e estilosas – e também o look, com texturas e tons de inverno que fecham a cartela sem deixar uma certa vibração de lado.

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Mais uma newsletter escrita no trânsito entre Milão e Paris no auge da temporada de moda internacional para o inverno 2026. Não, desta vez não teve Anna Wintour sentada por horas na minha frente aguardando o embarque – ela gosta de pegar o voo que sai no domingo à noite, enquanto eu estou voando na segunda à tarde. Agora, se ela se materializasse nesse momento minha única pergunta seria: Gucci by Demna, yes or no?

Aí é que tá. A pergunta não é tão simples quanto “thumbs up or thumbs down”, e nem mesmo Mrs Wintour se daria por satisfeita de dar uma resposta monossilábica. A Gucci de Demna é menos sobre a gente gostar do que está vendo na passarela – o que já falei anteriormente que é um equívoco em geral, porque gosto é uma questão de repertório, e o ideal é estarmos sempre abertos a ampliá-lo – e mais sobre entender o que as marcas de moda precisam em 2026.

Elas precisam de coisas diferentes. A Ferragamo precisa de um estilista talentoso que eleve sua alfaiataria e seus acessórios dentro de um certo parâmetro de inventividade; a Bottega Veneta precisa de um designer com habilidades técnicas de artesão e interesse por tecnologia; a Gucci precisa do Demna.

Polêmico, controverso, dependendo do ponto de vista imoral e até ilegal, ninguém tira dele sua habilidade de ler a geração Z e conseguir transformar moda em veículo de constituição de identidade. Quem tem 16 anos e começa a se relacionar com o mundo, ouvir música, encontrar os amigos, usar o gosto pessoal para pertencer a algum grupo, geralmente busca símbolos sacramentados que vão ao encontro de suas crenças. Desde os anos 80 e da explosão do movimento street esses símbolos podem ser encontrados em marcas de luxo, e a Gucci está ali, no primeiro lugar do pódio aguardando de braços abertos esse contingente gigante de gente que gosta de pensar que está fazendo contracultura mas que, no fundo no fundo, sonha mesmo é com um boné ou um tênis de grife.

Aterrissando novamente no planeta terra, ou melhor, na passarela, vamos analisar a roupa que ainda é apresentada com seu intuito inicial: agradar, vender e vestir. Considerando apenas a semana de moda milanesa, encerrada no domingo, o destaque que aponto é o do desalinhamento do eixo quando o assunto é o fechamento da roupa. Ou melhor, como a maneira de construir alfaiataria foi subvertida e os estilistas e marcas estão cada vez mais propensos a reinventarem o molde de tecido plano.

A Prada sempre entregou competência no assunto, já que sabemos que Miuccia e sua dupla Raf Simons adoram usar o forro como camada exterior, sobrepondo tecidos sem respeitar as hierarquias previsíveis. Desta vez, enquanto saias de organza funcionavam como filtros para forros bordados com pedrarias, jaquetas e blazers carregavam seu “ouro” na parte interna, deixando à mostra algo como o tecido puído de uso. Tudo absolutamente calculado e cronometrado para não deixar dúvidas de que estamos talando de alta moda, e não de roupa velha.

Já a Ferragamo sob gestão criativa de Maximilian Davis usou o rigor dos uniformes oficiais da marinha para levar para seu desfile peças que carregavam o movimento do mar. No lugar de vestirem o corpo de maneira estática, possuíam palas soltas e abotoamentos desencontrados dos eixos x e y justamente para revelarem fendas e decotes e proporcionarem uma fluidez que normalmente não encontramos nesse tipo de construção rigorosa.

Até mesmo a Dolce & Gabbana, cuja expertise com o tecido plano está mais para a escola clássica que para a disrupção, ousou e replicou nas costas o mesmo abotoamento duplo que está na frente do blazer oversized.

O mundo em geral está virado ao avesso e, no mundo da moda, a conversa parece estar mudando de eixo também. Enquanto algumas marcas entendem que não se trata mais de pensar apenas na roupa pela roupa, outras ensaiam seus primeiros movimentos de desconfiguração daquilo que a gente sempre entendeu como o único referencial.

Comecei a cobrir semanas de moda internacionais lá por 2010 mais ou menos (aliás, preciso saber exatamente que temporada foi aquela) e, desde então, me sinto praticamente convocada por forças maiores a viver periodicamente esse fenômeno místico que é passar dias sequenciais absorvendo o máximo de informação e produzindo o máximo de conteúdo dentro de um tempo e espaço totalmente singulares.

Tudo é extraordinário e exaustivo em igual medida, mas depois de tantos anos acho que tirei algumas lições para tornar a experiência mais suave para corpo e mente, e que enumerei abaixo:

1) Para quem adora a previsibilidade de uma rotina, o que acontece aqui é uma prova dos nove. Desta vez, decidi que estabeleceria horários fixos para treinar – nem que dentro do quarto do hotel, com bands elásticas que trouxe na mala – e também para me alimentar segundo os hacks que aprendi em consultório com a nutricionista. Das vitaminas diárias à ingestão da proteína e café turbinado, tudo precisa acontecer conforme a orientação. Saber que tenho horário para treinar e me alimentar me ajuda a manter a sanidade em meio ao caos e à pressão.

2) Fazer a semana de moda completa em Milão e depois emendar na de Paris é praticamente começar uma maratona do zero quando a energia já está no pé. No meu caso, decidi literalmente configurar duas personas. Faço uma mala só para Milão, com as roupas que sei que têm a cara da cidade e do que vou encontrar por lá, e outra com os looks parisienses. Quando chego no segundo hotel nem abro a mala milanesa, economizando espaço no armário e sentindo o prazer de ter um guarda-roupa zerado e alinhado com a vibe da cidade para vestir.

3) Meu horário feliz é sempre de manhã. Tudo é mais bonito, as pessoas são mais legais, minha vontade é de mandar coraçãozinho para todo mundo das 7h às 12h. Depois viro abóbora e sou engolida pelo cansaço e pela falta de carisma, então aproveito o fuso horário a favor de quem está na Europa para escrever com calma meus textos, responder às dúvidas de quem está no Brasil e criar o que preciso criar preferencialmente nesse intervalo de horário.

4) Capricho na escolha da rotina de skincare que trarei para a viagem. Desta vez, e considerando que o clima no Hemisfério Norte pede ainda mais cuidado quando o assunto é hidratação, incluí um ou outro produto já testado anteriormente, bem como um novo tipo de hidratante corporal em forma de óleo. Aplicar produtos novos, assim como vestir roupa nova, promove uma satisfaçãozinha em meio a uma rotina corrida, então use esse momento fundamental do seu dia para se permitir sentir esse prazer.

5) No primeiro momento possível da chegada eu passo em um mercadinho e compro algumas garrafas de San Pellegrino e uma barra de chocolate 70%. O primeiro porque água com gás é meu combustível e não posso não tê-la no quarto; e o segundo porque um pouco de doce por dia é meu combustível e não posso deixar de tê-lo no quarto. A porção é um ou dois quadradinhos à noite, após o jantar, e água a gente pode tomar à vontade!

Estamos no quinto episódio de Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette e, claro, também fui acometida pelo surto de culto à história do casal e a seu estilo contundente que marcou para sempre a história. Na verdade, eu tinha meus 15 anos quando estavam no auge, e também era obcecada pelas roupas e por acompanhar nas revistas os flagras dos passeios do casal com o cachorro por downtown Manhattan e de suas não raras discussões em público. Quando morreram, estava passando um mês de férias em Boston, portanto vi praticamente in loco cada minuto da cobertura da tragédia em tempo real. Por anos guardei a Vanity Fair que continha uma de suas últimas fotos juntos na capa, e dezenas de vezes li o texto que descrevia com precisão os últimos momentos de vida do casal, incluindo a passagem de Carolyn pela manicure – e a consequente indefinição da escolha da cor do esmalte – horas antes de pegarem o fatídico voo para Martha’s Vineyard.

Ryan Murphy, produtor da série, é muito competente em recriar esse passado recente que está na memória de gente da minha idade – eu, pelo menos, fiquei impressionada com o que ele fez em Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story, minissérie ficcional que reconta o assassinato dos pais pelos dois filhos em Beverly Hills no fim da década de 80.

Na verdade, a narrativa de época de Murphy é meio chocante, e talvez por isso a gente fique tão preso ao que está vendo. Mais do que a semelhança dos atores com as personagens que inspiraram seus papéis, acho que ele consegue resgatar na nossa memória a nostalgia de um momento que parece que foi ontem enquanto sutilmente nos joga na cara que, na verdade, já se passaram quase 30 anos.

Se você reparar, o minimalismo de Murphy, ou de Love Story, é quentinho, é amarelinho, é um colo de mãe para quem está vestindo roupas tão inteligentemente simplificadas e frequentando ambientes tão hospitalares, bem como mandava a cartilha estética dos anos 90.

Se a “story” de Kennedy e Bessette era mesmo de “love” ou se era apenas uma embriaguez de egos inflados, jamais saberemos, mas o que sabemos com certeza é que olhar para essa história hoje é como recuperar no passado um amor, uma regatinha branca, uma trilha sonora, uma mesa de metal que a gente certamente também viveu.

Um apanhado do que já vi por aqui e adorei, entre o urso que volta a ser cool e a bolsa que foi pensada para ser usada aberta mesmo – e isso é um truque óptico, porque na verdade ela fecha sim.

Em junho de 2025, quando foi anunciada a ida do irlandês Jonathan Anderson para a direção criativa da Dior, algo como seis meses após a oficialização de que o franco-belga Matthieu Blazy assumiria o mesmo posto na Chanel, publiquei um vídeo em que comentava a importância desse momento na história da moda.

Cheguei a essa conclusão porque acredito com todas as forças que estamos falando dos dois talentos mais potentes de sua geração, capazes sim de mexer nas engrenagens da moda tal como ela foi forjada desde o início do século 20 e propor o novo. Sempre digo – e usando palavras grosseiras aqui – que a gente veste a mesma roupa que Coco Chanel e Christian Dior criaram em meados do século passado, e que pouco foi aprimorada desde então.

Blazy, que fez um trabalho brilhante de ressignificação de matéria-prima e criação de textura na italiana Bottega Veneta entre 2021 e 2024; e Anderson, que transformou a espanhola Loewe em laboratório de reinvenção de silhueta entre 2013 e 2025, provaram que são capazes de rascunhar novas formas de vestir. Nada do que sai do seus ateliês parece algo que a gente já havia visto antes, o que nem sempre agrada à primeira vista, mas que com certeza pode ser definido como a consagração essencial do trabalho de um estilista.

Blazy e Anderson fizeram bonito nas casas que os abrigaram num primeiro momento, mas, para que pudessem de fato apresentar a real força de sua tração criativa, precisavam de mais, e é nessa hora que serem contemporâneos à frente das cadeiras mais importantes e poderosas do globo quando o assunto é moda é tão fascinante e, porquê não, emocionante também.

Assunto introduzido, parto para a segunda parte da análise Dior versus Chanel, ou Blazy versus Anderson. Constantemente recebo perguntas do tipo: “mas você gostou do desfile da Chanel?”. Quando o assunto é moda, evito simplificar qualquer tipo de pensamento usando conjugações do verbo gostar. Visto que estudo o assunto há mais de 20 anos e dedico a ele toda a minha capacidade intelectual, nunca achei que seria tão simplista quanto isso, até porque, o que importa se eu gostei ou não?

Soma-se a isso o alcance criativo, a habilidade dentro de um ateliê com toda a expertise artesanal disponível e, principalmente, o potencial de inovação e reinvenção quando o assunto é matéria-prima, tecnologia, silhueta, acabamento e detalhes construtivos.

Tanto Blazy quanto Anderson são fluentes em praticamente todos os aspectos supracitados, mas eu diria – e previ isso, quem me acompanha sabe – que Blazy está sofrendo mais resistência do que seu colega na hora de convencer a audiência tradicional da Chanel sobre o que seria seu modelo feminino ideal. Seu posicionamento no topo da cadeia do luxo, com os preços das roupas e acessórios cada vez mais altos , sempre foi a força motriz dos bilhões em vendas contabilizados graças a batons, perfumes e cremes. Quando Blazy aposta no valor intangível de uma calça de musseline sem bordado algum , simplesmente porque sua visão de luxo é mais sofisticada que a das massas emergentes, ao mesmo tempo que elimina qualquer referência ao duplo C de correntes, colares e brincos, de certa forma ele retira da prateleira os símbolos-base responsáveis pelo efeito desejo que sempre foram sinônimo de Chanel.

Chanel é muito mais do que isso. Chanel é a reinvenção do guarda-roupa feminino no início do século 20, Chanel é a leitura luxuosa em cima do que, até então, era considerado banal e mundano, Chanel é sobre uma atitude revolucionária de vestir que, certamente, dialoga intimamente com o repertório de Blazy como criador. O que ele leva para a passarela é nitidamente fruto de quem se comporta de maneira propositiva dentro da essência Chanel e, para isso, ele abre mão da roupagem superficial com a qual todos estavam acostumados. Penso que ele está certo de seguir por esse caminho, e seu trabalho engenhoso a partir do uso da musseline e do tweed para a coleção de alta-costura é grandioso, mas seu desafio vai além de criar obras de arte de vestir: ele é educativo também.

Jonathan Anderson, por sua vez, herdou uma Dior um pouco mais “cansada” quando o assunto é geração de desejo. Maria Grazia Chiuri fez um bom trabalho no início de sua gestão criativa, que durou entre 2016 e 2025, mas ao fim dela já não conseguia mais colocar a marca nas hit parades quando o assunto era a bolsa da vez, o sapato do momento ou o desfile emocionante da temporada. Sua entrega virou linear demais, ainda que casas da estatura de Dior e Chanel custem muito a perder a notabilidade, o prestígio e o status, seja lá o que levem para suas passarelas e prateleiras. Para sua terceira coleção feminina para a Dior e primeira de alta-costura, Anderson se escorou no trabalho da escultora e ceramista anglo-queniana Magdalene Odundo – a arte da cerâmica sempre se sobressaiu como um de seus assuntos de interesse, desde a época da Loewe – para injetar seu próprio ponto de vista sobre a silhueta bar, ou a forma acinturada de blazers e tailleurs proposta de maneira inédita por Christian Dior em 1947, em pleno pós-guerra.

Nos looks mais significativos do desfile que aconteceu no Musée Rodin no último dia 26, Anderson recriou a silhueta ampulheta em questão a partir de uma construção de tule levíssima que dispensava o esperado corselet. Usar a tecnologia do estilismo a favor da manutenção de um DNA forte sempre foi uma estratégia vencedora, e o resultado final agrada mesmo a quem não tem esse contexto. No início do ano a Dior já havia colhido bons resultados ao lançar semanas antes a primeira coleção de prêt-à-porter assinada pelo irlandês, que sabe muito bem que a cliente Dior gosta de um lacinho – como fazer o tal lacinho e onde aplicá-lo é que configuram a grande sacada de mestre.

Agradar a crítica especializada e agradar ao consumidor final são o principal desafio de qualquer criativo da indústria da moda nos dias de hoje. Acertar um dos dois lados não é suficiente quando estamos avaliando esse tipo de atuação, com o atual peso mercantilista que ele carrega.

Os homens estão se permitindo ensaiar mais quando o assunto é moda, e preciso dizer que isso muito me agrada. Para uma aficcionada pelo assunto que nunca havia se interessado pelas passarelas masculinas, hoje em dia consigo inclusive me inspirar nelas e uso muito do que vejo nas coberturas da mídia especializada durante as temporadas – todo janeiro e junho – para criar repertório para meu próprio trabalho como analista de tendências.

Ainda acho difícil ver o resultado desse movimento nas ruas que a gente frequenta – e até na casa onde a gente mora rs – mas certamente já existe um recorte de pessoas da vida real que está pronto para a revolução no guarda-roupa masculino, tão engessado e restritivo principalmente graças à resistência por parte do mercado consumidor.

A coleção para o inverno 2026 da Prada propõe camisas e tricôs de tons como verde menta e vermelho usados por baixo de ternos de lã cinza chumbo. A da Saint Laurent mistura cinza e preto num mesmo terno risca-de-giz, enquanto em outro troca a calça pela bermuda alongada. Até mesmo a Zegna, que eu diria ser a mais “tradiça”entre as três, levou para a passarela blazers amplos com decote profundo e botão único, além de calça de alfaiataria pregueada combinada a tricô sequinho em ton sur ton de verde seco, numa tentativa de injetar informação de moda eficiente na mesma roupa de sempre.

Os tapetes vermelhos seguem na mesma esteira de inovação quando o assunto é dress code masculino. Se 10, 15 anos atrás os bem-vestidos seriam apenas Goerge Clooney a bordo de smoking clássico Giorgio Armani e Richard Gere vestindo um summer Tom Ford, hoje em dia Bad Bunny arranca suspiros e esbanja masculinidade a bordo de traje de veludo Schiaparelli, enquanto Timothée Chalamet vai da estola rosa pastel Chanel ao terno branco Alexander McQueen com a naturalidade de quem vestiu uma calça de moletom para ir ao clube. Precisamos falar de Jacob Elordi ou vocês já entenderam?

Se o high fashion, ou as marcas que formam opinião, dá a letra e os astros pop que são referência para milhões ao redor do globo falam amém, mostrando que desejam ter fluência também quando a conversa gira em torno de moda, então acredite que o próximo passo, quem sabe, é o grande público também se contaminar um tico pelo desejo de atualização e personalização do que escolhe vestir todos os dias.

Não tenho praticamente nenhum interesse em ficção científica, ainda que um dos meus filmes favoritos seja Gattaca, Experiência Genética, o que atribuo muito mais à crise existencial vivida pelas personagens que pela distopia de mundo proposta, no caso. Normal, portanto, que tenha chegado aos 42 sem jamais ter visto um episódio de Guerra nas Estrelas, a space opera longeva lançada por George Lucas em 1977. Isso até anteontem, quando começamos a assistir em família o episódio I, Star Wars: A Ameaça Fantasma – a ordem cronológica é desalinhada em relação à ordem de produção e lançamento das peças, mas optamos por fazer dessa maneira para ajudar as crianças no entendimento da narrativa.

Bom, não preciso nem dizer que nos primeiros minutos fui conquistada pela direção de arte do filme, o que inclui cenários, figurinos, cores, paisagens e materiais usados. O que chamou minha atenção logo de cara foi o fato de que tudo aquilo que a gente estava vendo, de certa forma, era conhecido. O deserto, a sobreposição de vestes, as casas dentro das cavernas. A ideia de futuro apresentada ali, no caso, é uma ideia de passado, o que, de certa forma, se conecta com o futuro proposto por Gattaca, que evocava uma elegância dos anos 50 no vestir e referências modernistas evidentes na hora de apresentar seus cenários imaginários.

Fui pesquisar e cheguei no nome do britânico Norman Reynolds, duas vezes premiado com o Oscar e responsável por materializar os mundos idealizados por Lucas. A ideia da dupla era justamente propor um “futuro usado”, gasto, funcional, fruto de sobreposições de camadas adquiridas com a passagem do tempo. Achei de um brilhantismo sem precedentes porque, de novo, ainda que seja ficção, ela conversa diretamente com a essência de quem somos. A gente não se conecta com o robô, a gente se conecta com a emoção que sente quando observa o comportamento daquele robô, e isso precisa vir de algum lugar conhecido, caso contrário, é apenas um monte de sucata filmada com uma câmera Panavision.

Criei meu próprio mundo de texturas e referências que remetem a um visual de deserto perfeito para viver os próximos movimentos fashion.

Feliz 2026! Esta é a newsletter que deveria ter sido publicada na véspera do Natal e que eu, como fundadora, diretora e CEO da mesma, decidi transferir para a primeira semana de janeiro porque tinha certeza que seria uma pessoa melhor escrevendo-a. Em meados de dezembro, com o stress do encerramento do ano, aliado aos preparativos para as festas, me senti um ser sem qualquer tipo de mensagem positiva para transmitir, e achei que você, do outro lado, também estaria sem “saco” algum de encarar o meu texto.

Escrevo do primeiro domingo do ano, precisamente o 4 de janeiro, feliz da vida e totalmente relaxada e empenhada em entregar uma boa mensagem de início de ciclo – ainda que seja domingo, o dia oficial de descanso. O que tenho para dizer tem muito a ver com isso mesmo.

Todo mundo idealiza o momento em que vai parar e finalmente descansar de tudo o que vive o ano todo. Mas será que a gente não se beneficia em manter uma rotina, mesmo que nas férias? Gosto de me arrumar e sair à noite, mas ainda prefiro dormir cedo e acordar descansadíssima para realizar meu treino – a saúde e a manutenção da massa magra desconhecem o conceito do recesso, afinal. Passo o ano todo conectada com minha audiência essencialmente via Instagram, sinto um grande prazer em tirar dúvidas e mostrar o racional por trás de cada look que visto. Será que preciso jogar o celular no mar e não fazer nada disso entre Natal e Ano Novo? Desde o final do ano passado aprendi com uma profissional da área de nutrição a comer o que faz mais sentido para um corpo de 42 anos, o que obviamente acarreta uma vigília constante acerca do que escolho colocar no prato. Será que me sentiria mais feliz se abrisse mão desse rigor na época das festas?

Não é abrindo mão da vida que a gente leva 335 dias por ano que alcançaremos felicidade e paz de espírito durante 30, quando muito. A vida que a gente de fato tem acontece nesses 335 dias em que criamos nossos rituais de amor próprio e investimos, na medida do possível, em ações que nutrem nossa alma e elevam o nosso espírito. Eu não quero me matar para viver só um pouquinho. Quero mais é transformar a minha vidinha comum num enredo digno das melhores férias.

Quando o assunto é moda, não posso entregar a primeira news do ano sem compartilhar a expectativa coletiva (usando aqui o recorte da população fashionista) em cima da chegada às lojas das primeiras coleções assinadas pelos estilistas estreantes em grandes maisons na última temporada de desfiles europeus.

Todas as críticas já foram escritas e publicadas, opiniões foram dadas, todo mundo que curte o assunto já deu seu parecer a quem possa – e até a quem não possa – interessar. Agora, entre o que vimos nas passarelas e o que veremos nas araras e prateleiras a partir de fins de janeiro “há mais coisas entre o céu e a terra do que sonha nossa vã filosofia”. Ou melhor: o que é sucesso de crítica nem sempre agrada ao público, e o contrário também pode ser verdadeiro. As grandes casas de moda, Gucci, Chanel, Dior, Bottega Veneta, Loewe e Balenciaga, para citar as principais que tiveram suas direções criativas radicalmente trocadas no último ano, que o digam.

A Dior de Jonathan Anderson (ex-Loewe), foi a primeira a soltar imagens da nova campanha e, segundo o termômetro que desenvolvi para tentar entender comportamento de consumo, tudo indica que agradou principalmente a cliente mais conversadora que já gostava da marca, porém não estava muito empolgada, e que ainda não tem certeza se encontrará representatividade na nova Chanel de Matthieu Blazy, por exemplo. Tudo muito romântico e delicado e, para quem torceu o nariz – no caso, essa mesma moça –, até agora nem sinal do sapato com o furo no O de Dior.

Até o fechamento desta edição a Chanel ainda não havia divulgado sua comunicação a partir do olhar de Blazy, que foi sucesso de crítica com sua coleção de estreia no Grand Palais, em setembro, que arrancou iguais aplausos da turma moderna com o desfile Métiers d’Art, que aconteceu no metrô de Manhattan em dezembro último, mas que estava com dificuldade de emplacar a 2.55 amassada ou sua versão com cabeça e pés de girafa acoplados entre as clientes mais tradicionais, ou seja, praticamente o corpo consumidor todo. Eu sempre disse que seu desafio seria elevar a conversa de moda de quem está escorado no status quo, e acho que a marca não tinha mesmo como não olhar para frente, mas se os novos e pouco ortodoxos acessórios seguirão colecionando filas na Rue Cambon, não tenho como prever, ainda que sinta alguma apreensão.

Na minha opinião e indo totalmente na contramão da minha própria expectativa, a Loewe da dupla Jack McCollough e Lazaro Hernandez foi quem melhor alinhou conceito e varejo com o que apresentou em setembro último em Paris. Não preciso ver as filas na porta das lojas para saber com certeza que a bolsa Amazona 180 (ou a polêmica bolsa aberta) será hit de vendas, inclusive porque eu mesma sou candidata a uma. Ou então a Bilbao, modelo tipo tote agênero tingido de tons primários que promete agradar geral. Ao apostarem no conceito de arts and crafts impulsionado pelo antecessor da cadeira, entregarem uma cartela de cores saturadas inusitada, ainda que simples, e criarem acessórios despretensiosamente cool, eles já são sucesso de crítica e vendas sem terem sequer aberto a caixa registradora.

Já a Bottega Veneta de Louise Trotter emocionou com a pesquisa de texturas e tecidos das roupas desfiladas em Milão, mas digamos que os acessórios ficaram em segundo plano em sua primeira incursão como diretora criativa da marca. Não que não fossem bons, é que eles simplesmente não estavam lá em variedade suficiente para serem avaliados. Ou seja, o que chegará às prateleiras ainda é um mistério, mas pensando na importância que a Bottega Veneta conquistou com suas bolsas de intrecciato na última década, muito graças ao trabalho de moda primoroso deste mesmo Matthieu Blazy, arrisco dizer que tanto faz, porque continuará sendo desejo entre iniciados e emergentes também.

Menina dos olhos – e galinha de ouro até a saída de Alessandro Michele – do Grupo Kering, a Gucci sob o comando de Demna Gvasalia rompeu com o padrão ao trocar o desfile por uma première de filme dirigido por Spike Lee e estrelado por Demi Moore, e fez um test drive de tração comercial com a coleção vestida no curta ao levá-la para lojas selecionadas um dia após a comoção cinematográfica. A “turma das modas” foi lá e comprou, mas a gente sabe que a Gucci vive de vender para a fatia do mercado consumidor que está começando a flertar com o mundo do luxo, especialmente na Ásia. A seu favor, o fato de que Demna, ainda que responsável por uma linguagem estética pesada e underground, fez o milagre comercial da Balenciaga acontecer na segunda década do século 21 ao transformar bonés, camisetas e tênis em ícones altamente cobiçados pelas massas jovens.

Daí tem a Balenciaga, que foi quem sofreu a mudança de liderança mais brusca. Do disruptivo e dark Gvasalia para o classicista romântico Pierpaolo Piccioli (sinônimo de Valentino de 2008 a 2024), o produto final é belo e é rico, porém não entrega quanto imagem qual lugar de fato ocupará em meio a placas tectônicas que ainda não estão totalmente acomodadas.

Conclusões aleatórias a que cheguei neste fim de ano:

• Continuo não entendendo como posso usar a inteligência artificial em benefício do tipo de trabalho que presto.

• Cada vez mais tenho certeza que fazer análise é realmente a melhor maneira de organizar muito bem organizadas as nossas próprias neuroses.

• A vivência das pessoas em destinos praianos compartilhada nas redes sociais segue comprovando que o engajamento é diretamente proporcional a inverossimilhança do look oferecido.

• Calcinha da virada naquelas tons banais de amarelo, verde, rosa, azul… Tem coisa mais feia? Não sei nem escrever bonito sobre esse tópico, é feio e ponto.

• O problema da exposição das crianças ao ambiente virtual – em todos os seus aspectos, do joguinho ao Tik Tok – é tão grave que não apenas os pais não sabem como agir como na maioria das vezes eles nem acham que é com eles.

• Dá pra falar sobre vários assunto, dá para transmitir valores e até opiniões sem precisar buscar a lacração. Dispor das artes, por exemplo, é uma belíssima forma de promover questionamentos importantes, pena que as pessoas estão mais interessadas em panfletar do que em ler.

Acho que já falei aqui que 2025 foi o ano em que me apaixonei pelas biografias de Walter Isaacson, porém não estava preparada para Leonardo Da Vinci, lançada em 2017. Confesso que achei que, depois de Musk e Jobs, Da Vinci seria meio arrastado até por conta da época, do tipo de material de pesquisa e da falta de detalhes apetitosos que os revolucionários contemporâneos não pecam em nos entregar.

Errei, ainda bem. Não terminei a biografia ainda, estou quase na metade, mas já posso afirmar que trata-se de uma das melhores coisas que já li, de uma das melhores viagens que já fiz, de um dos encontros mais memoráveis com a história que já experienciei, inclusive fora do sofá. Não apenas Isaacson descreve de maneira apaixonada cada uma das pinturas renascentistas icônicas assinadas pelo maior gênio de todos os tempos, fazendo com que a gente enxergue de outra forma o que já estava cansado de olhar, mas sobretudo porque ele jamais limita a atuação de seu objeto de estudo a uma ou outra coisa.

Leonardo foi artista em sua abordagem como cientista; foi científico a cada vez que queria exprimir uma manifestação artística; usou a narrativa católica como pano de fundo para uma investigação profunda sobre a alma dos que são feitos de carne e osso; precisou aliar ciência a uma curiosidade infinita e uma sensibilidade única para, através de sua contribuição artística e analítica, ensinar à humanidade conceitos que o meio acadêmico jamais conseguiu.

Deixe o brilho dourado para a pele e aposte em looks com textura artesanal e acessórios com uma vibe mais rústica que polida.

Gostaria de abrir a conversa desta newsletter com um assunto que talvez pouco tenha a ver com moda, pelo menos não diretamente, mas que tem muito a ver comigo e, principalmente, com o trabalho que realizo nas redes sociais. Recentemente, passando em análise, entrei em contato com a dinâmica psíquica descrita por Freud como projeção. Segundo o Gemini, recurso de inteligência artificial do Google, “projeção é um mecanismo de defesa inconsciente pelo qual um indivíduo atribui a outra pessoa sentimentos, pensamentos ou desejos que são seus, mas que considera inaceitáveis ou que conflitam com sua autoimagem. Ao fazer isso, a pessoa se isenta da responsabilidade por esses conteúdos, projetando-os no outro e evitando assim o sofrimento psíquico.”

Projeção tem a ver com o trabalho que exerço por aqui porque – e é bem provável que quem projete sequer tome conhecimento disso – estamos sempre dispostos a apontar o dedo para o outro a partir de conceitos/crenças/verdades que são mais nossas que de terceiros. Comentários como “ah, mas isso não tem a sua cara” são fruto de pura projeção. “Nossa, que decepção ouvir isso de você” também o é.

Mas calma. Esse recado não é direcionado para você. Como coloquei no início, ele é para mim mesma. Passei os últimos anos “sofrendo” por conta de uma projeção em cima de uma figura que me aterrorizava toda vez que estava longe, ganhando forma, voz e poder a partir da minha própria construção mental disforme. Uma vez que se aproximava fisicamente, automaticamente se redimensionava e acalmava minhas angústias. Muitas vezes levava alguns minutos ou horas, mas sempre acontecia.

Nossa Barbaridades #4 chega junto com o dia mais esperado do varejo nacional e internacional: a Black Friday. Fico com preguiça quando o tema começa a ser ventilado por aí não porque não goste de uma promoçãozinha, mas porque, via de regra, a gente sempre força um pouco a mão para consumir algo que não necessariamente esteja precisando ou pior: que não necessariamente deseje de fato para si.

Quando compramos temos que considerar o que temos, o que somos, o que gostaríamos de ter e até o que almejamos ser. É complexo mesmo, o que não necessariamente precisa passar por uma elaboração infinita. Comprar com critério é bom, mas pode ser chato. Comprar no calor do momento é divertido, mas pode ser arriscado. Entre um e outro, fico com um mix entre os dois, e sabe por quê? Porque quando a gente se conhece minimamente está apto a tomar qualquer uma das decisões, seja trabalhando na antecipação, seja apostando na emoção.

Duas semanas atrás um canal internacional conhecido por confeccionar listas e rankings envolvendo marcas de moda em geral divulgou uma relação do que chamaram de “produtos mais desejados do ano”. No topo, a brasileira Havaianas e seu chinelo de dedo de borracha, seguido por mocassim Saint Laurent, moletom Cos e até o sutiã Skims – marca da Kim Kardashian – com piercing de mamilo aplicado. Rolou a maior comoção por parte dos brasileiros, que nunca imaginaram verem as legítimas ocupando um lugar de tanto destaque entre pares gringos incensados.

Concordo que a Havaianas surfa uma onda internacional relevante, e minha ressalva não deve ser confundida com desmerecimento do produto nacional, muito pelo contrário. O que não faz muito sentido, na minha opinião, é um mocassim de couro de uma marca francesa ser comparado a um sutiã que é praticamente um sarro travestido de jogada de marketing. Dentre um universo infinito de opções muito pouco recortado, o que exatamente pode ser comparado com o que? E baseado em quais critérios exatamente? É pesquisa qualitativa? Existe um júri de especialistas? São números de venda, receita, lucro?

Dentro da mesma plataforma, a lista anual que mais reverbera entre as audiências virtuais é a que elenca as “hottest brands”, ou as marcas mais quentes da atualidade. Como você definiria uma marca quente? De novo, sem parâmetros claros, fica difícil demais elevar ou rebaixar a importância de determinada marca ou produto.

Em tempo: a plataforma afirma que sua base de dados é a maior que existe no mundo da moda, e considera o comportamento de busca e consumo da audiência dentro e fora de seus canais. Para mensurar a “quentura” de marcas e produtos, sua fórmula ainda incorpora menções nas redes sociais, bem como atividade e engajamento durante um período de mais de três meses. Sigo achando vago e, critério subjetivo por critério subjetivo, também tenho minha própria lista de favoritos. Quer saber qual é ela? Esquece, jamais faria isso! Rs

Finalmente assisti a Depois da Caçada, último filme do italiano Luca Gadagnino, meu diretor de cinema favorito desde Um Sonho de Amor, filme de 2011. Depois do thriller estrelado por Tilda Swinton, ele ainda lançou os muito bem avaliados Me Chame Pelo Seu Nome (2017) e Rivais (2024), entre outros, mas nem precisava. Guadagnino ganhou meu coração 14 anos atrás, quando usou a extraordinária Villa Necchi Campiglio, em Milão, como cenário principal de sua narrativa sobre o amor.

Guadagnino é excepcional exatamente nisso: escolher locações e criar ambientações extremamente sofisticadas dentro de uma realidade possível, não idealizada e jamais perfeita. A mesma lógica se estende para a construção de figurino de suas personagens. No lugar de figurinistas, ele gosta de colaborar com estilistas renomados, sejam eles conhecidos ou não. Para Um Sonho de Amor teve Raf Simons (atualmente co-diretor criativo da Prada, ao lado de Miuccia) assinando as vestimentas; para Queer e Rivais, o escolhido foi Jonathan Anderson (ex-Loewe, atual Dior).

Para Rivais, Anderson considerou o fato de que o tênis, nos Estados Unidos, é um esporte que fomenta o espírito capitalista, e vestiu as personagens segundo esse paradigma, e não a partir dos volumes exuberantes que a gente espera ver numa criação assinada por Jonathan Anderson”, é o que afirma Guadagnino em recente entrevista ao Business of Fashion.

Depois da Caçada tem Julia Roberts no papel principal e, mais uma vez, a projeção de mundo proposta pela narrativa de Guadagnino é tão contundente e convincente quanto as roupas que Roberts veste ou a casa em que ela mora. Talvez seja exatamente esse o grande trunfo do diretor: ao não tratar absolutamente nenhum aspecto de seus filmes de maneira rasa, propondo camadas que se sobrepõem e se contrapõem o tempo todo, ele consegue chegar bem perto de descrever a ambiguidade da condição humana.

Entre a renda da lingerie que ganha a rua e o mix de dourado com prateado, encontre o balanço perfeito entre frivolidade e funcionalidade.

Uma das passagens mais surreais da minha vida profissional aconteceu da última vez que estava com esse computador aberto escrevendo essa mesmíssima newsletter, no dia 28 de setembro, um domingo. Exatamente quando finalizava o texto da sessão Bafafá, que dedico a alguma pensata relacionada ao mundo da moda, ainda meio em dúvida se havia achado a estreia de Dario Vitale na Versace uma baixaria ou uma disrupção, eis que senta-se na minha frente, num dos lounges do aeroporto de Linate, em Milão, Anna Wintour em pessoa. Vestindo saia plissada creme com top e casaco da mesma cor, além de uma tote Bottega Veneta cinza que funcionava como sua única bagagem de bordo, ela foi escoltada por um funcionário até o canto mais reservado do espaço, que era justamente a cadeira em frente à minha, com apenas uma mesa baixa e redonda entre nós.

Minha primeira reação foi puxar a mesa, de forma a abrir espaço para ela se sentar. Depois fui ladeira abaixo. Comecei a rir e a chorar ao mesmo tempo, precisei levantar com meu computador para me recompor longe dali e, quando retornei para a minha poltrona, não fui capaz de levantar o olhar em momento algum para encará-la, o que entendo que foi uma postura respeitosa da minha parte, visto que passaríamos pelo menos mais duas horas frente a frente até o nosso voo da Air France ser o último a decolar para Paris naquela noite.

O domingo de trânsito entre a semana de moda de Milão e a de Paris nunca é meu favorito – significa que encerrei uma metade da viagem, mas ainda tenho outra ainda mais complexa pela frente. O fato de que nosso voo estava mais de duas horas atrasado em relação ao cronograma inicial também não ajudou a elevar meu mood naquela tarde. Quis o universo que eu vivesse essa passagem e entendesse, mais uma vez, porque escolhi fazer o eu faço.

Se eu falei com ela? Falei, no fim da nossa jornada, quando aguardávamos as malas já no destino final. Se ela foi receptiva? Marginalmente, mas não achava que seria diferente. Anna Wintour é um mito com seus cabelos perfeitamente cortados e escovados, mas sobretudo ela é uma jornalista e uma executiva, uma profissional que atua de maneira competente nos bastidores e que precisou forjar uma carcaça que chegasse antes dela e a protegesse, de certa forma. Penso que ela tem sim todo o direito de não ser importunada durante um voo ou onde quer que seja, mas, durante a nossa breve conversa, tive que falar que, na minha religião, ela era o papa. Afinal, existem pessoas que, por mais de carne e osso que sejam, possuem uma energia que as conecta com um plano extraterreno.

A temporada para o verão 2026 foi marcada pelas estreias mais aguardadas dos últimos tempos quando pensamos no ecossistema fashion. Fazia tempo que tantas cadeiras importantes não eram preenchidas de uma só vez, e justamente quando o luxo vive uma crise comercial e conceitual porque as marcas, a grande maioria delas pertencentes a grandes grupos, precisam decidir quase que intuitivamente quem será o gênio criativo disposto a cumprir horário, código de conduta e tudo o mais que envolve a vida burocrática enquanto promove uma revolução e ainda vende bolsas e sapatos de mais de quatro dígitos como se fossem pão quente.

A equação é complexa e não dá para jogar no Excel, tampouco no Chat GPT, mas, dentro do espectro de possibilidades, foi a Chanel quem ficou com o candidato potencialmente mais completo. Depois de elevar a Bottega Veneta a estado da arte com seus ensaios artesanais e poéticos em cima do mesmo couro que tornou a casa de acessórios conhecida e respeitada, Matthieu Blazy estreou na marca francesa de forma conservadora até, porém contundente. Mexeu na escala das tramas de tweed, baixou a cintura de tauilleurs e amassou a bolsa 2.55 de propósito – afinal, sem estar amassada ela já havia se apresentado em todas as versões possíveis. As clientes tradicionais torceram o nariz, mas a gente sabe que vão se acostumar.

Eu imaginava para onde Blazy iria conceitualmente depois que Bruno Pavlovsky, presidente da Chanel, afirmou em dezembro de 2024 que a marca estava pronta para ser conduzida por ele para o futuro. A grande surpresa da temporada, na minha opinião, ficou por conta da Loewe de Jack McCollough e Lazaro Hernandez. Fundadores da Proenza Schouler, marca que desde 2002 desfila na morníssima semana de Nova York, não estavam exatamente no auge criativo quando foram recrutados para substituirem o brilhante Jonathan Anderson, outro revolucionário da silhueta, agora ocupando o segundo cargo mais importante do mundo da moda depois da Chanel: na Dior.

McCollough e Hernandez foram despretensiosos, porém certeiros. Entregaram uma cartela de tons primários que promete virar o status quo, equilibraram ousadia formal com conforto funcional e desenharam meia dúzia de acessórios tão desejáveis quanto engenhosos, a exemplo da bolsa Amazona 180, que você deve usar aberta de propósito, já que ela possui fechamento invisível; ou então do modelo Bilbao, cujo eixo da costura é invertido em relação ao posicionamento das alças, e que ainda vem com abridor de garrafa como pingente. É simples, é novo e já deu certo.

Semana passada rolou a nona edição do Iguatemi Talks Fashion, evento que reúne players relevantes do universo da moda para discutirem o mercado, debaterem cases de sucesso e anteciparem tendências.

Com a criadora de conteúdo Lívia Nunes e a diretora de estilo da Renner, Juliana Frasca, no painel que mediei STYLING COM ALMA: O PODER DA AUTENTICIDADE

Como parte da redação que produz conteúdo para o Iguatemi Daily, estou acostumada a assistir a todos os painéis, mas, ainda que não precisasse, acho que o faria de qualquer forma, porque sempre saio mais inspirada que quando entrei, porque aprendo com quem sabe mais que eu sobre diversos assuntos, porque coleciono aspas geniais que certamente levarei para o resto da vida.

foi o que disse o estilista nascido na Itália e baseado em Paris Giambattista Valli quando perguntado sobre o que ele busca quando cria alta-costura – e eu não poderia concordar mais.

foi uma das frases sobre moda e identidade mais inteligentes que já ouvi, e sua autora é a Monica Martelli, atriz esclarecida e uma fábrica de boas aspas. Seu ponto não poderia ser mais pertinente, visto que a roupa certa é exatamente o que nos habilita para nos despirmos de inseguranças e desempenharmos nosso melhor papel.

é o que pensa Gloria Kalil sobre a dúvida que recebe dezenas de vezes por dia e que, logicamente, tem sempre pouquíssimo a ver com a roupa em si.

Cheguei tarde, mas finalmente comecei a ler a biografia de Steve Jobs por Walter Isaacson, lançada em 2011. A personagem me interessa, mas confesso que a autoria foi decisiva na hora de baixar no Kindle o livro de quase 700 páginas. Depois de Henry Kissinger, Benjamin Franklin, Leonardo da Vinci e Albert Einstein, Jobs entendeu que Isaacson deveria ser seu biógrafo, e insistiu anos para aceitasse “o job” – mais recentemente, Elon Musk ganhou a sua também, e a leitura é igualmente intrigante.

Já li 50 por cento do livro, e o que mais me fascina na trajetória de Jobs é seu apreço por valores como edição e embalagem. Seu ponto de vista em relação a produto pode ser facilmente confundido com um apreço demasiado por estética, mas, na verdade, seu objetivo sempre foi que houvesse beleza, coerência e edição inclusive naquilo que precisa exercer uma função. Não dá para existir beleza apenas no invólucro, ou no “fora” – a busca pela beleza precisar estar na gênese do ato de funcionar. É brilhante, e fala muito sobre moda e sobre visão de mundo também.

Preto, branco, dourado e pérolas: tem como trazer tudo o que todo mundo conhece para um novo lugar, um lugar de surpresa e inventividade.

Escrevo esse texto da cama do hotel, em Milão, no dia 26 de setembro, precisamente às 22h39 do horário local. Desde que comecei a cobrir as semanas de moda internacional, algo como 15 anos atrás, entendi que eu precisava encerrar meu dia de trabalho na rua razoavelmente cedo e dedicar de cinco a seis horas ao computador e ao celular, de forma que pudesse relatar digitalmente tudo o que via no dia, além de trocar com a equipe que está cinco horas para trás no Brasil. É um trabalho tão ou mais cansativo que o de ficar na rua quicando de desfile em desfile, de showroom em showroom, mas é esse meu superfoco que permite que tudo o que tenha o privilégio de conferir em primeira mão seja compartilhado praticamente em tempo real.

Nunca soube dizer se gostava de fazer isso por mim ou por você, se seria muito vaidosa ou muito altruísta. Até o dia em que tive uma crise de pânico ao final de uma temporada de moda e tive que desviar o caminho até o aeroporto de Malpensa para ser atendido gratuitamente em um hospital nas imediações de Milão. Chegando em São Paulo e passando em análise, entendi que, seja lá qual for a minha motivação, minha versão vaidosa me contamina demais, me torna vítima do meu próprio trabalho. Desde então me procurei encontrar na minha versão jornalista, a que gosta de reportar e sabe muito bem distinguir a Barbara com da sem a máscara da invencibilidade que você tem a impressão de que faz parte de mim. “Não acredite na personagem, ela não vai conseguir preencher o seu vazio”, foi o que ouvi e, logicamente, nunca mais esqueci.

Já sabemos que um personagem não é real, mas o hype é! Antecipei na newsletter de agosto e a semana de moda milanesa confirma: chegamos à era dos tons saturados e das misturas de cores improváveis ​​. Eis a primeira referência visual que observei quando assisti ao desfile da Prada. Os tons variados, porém extremamente específicos, propostos por Miuccia e Raf Simons carregavam uma reflexão, mas, sem ter o contexto da coleção, era precisamente sua aparente desconexão o que notei antes de qualquer outra coisa. No caso da marca especificamente, as cores ajudavam a acentuar a justaposição de camadas variadas que, montadas ou descascadas, entregavam a resposta da dupla ao excesso de informação a que somos submetidos diariamente. Na Prada, não dá mesmo para dizer que é preto no branco, tampouco que é apenas “coloridinho”. É aqui que verde sabão encontra laranja, rosa pastel e manteiga e vivem felizes para sempre – ou até a próxima temporada.

O segundo ensaio cromático mais interessante para o verão de 2026 internacional é um oferecimento da Versace, agora parte integrante do mesmo Grupo Prada e sob o comando criativo de Dario Vitale, ex-Miu Miu. Quando vi as imagens pela primeira vez (eu não estive lá pessoalmente) , não gostei, e lembrei imediatamente da ocorrência que tive quando assisti à estreia de Alessandro Michele na Gucci, em fevereiro de 2015, nesta mesma Milão. Não gostei porque não entendi, e por isso mesmo decidi investigar melhor a intenção criativa de Vitale.

“Uma mitologia surgiu quando os deuses se entediaram de se entreterem com eles mesmos e decidiram descer do Olimpo ”. Dario me ganhou nessa frase. Seu resgate de uma estética technicolor do fim dos anos 80, evocando o lado mais gay clubber de Versace de Gianni, veio como a gota – ou o banho – de frescor que a semana milanesa carecia, especialmente quando a comparamos com o arrojo das passarelas parisienses. Uma mistura de tons saturados “fora de moda” foi, de novo, a primeira camada de uma coleção que buscou o sexy, e não o elegante; que promoveu o susto, e não o deleite; que se entregou à pista do inferninho, e não ao baile de gala. Tem algo de novo no ar e, se depender das cores da nova Versace, vai impregnar!

Soaria pretensiosa afirmar que me sinto em casa quando tenho a chance de testemunhar arte encontrando moda, mas quase isso. De certa forma, reconheço valores muito parecidos em ambos, e acredito que as duas escolas podem contar ótimas histórias quando se dão as mãos. Foi o caso da aliança entre a Chanel, a grande fomentadora da cena cultural global graças ao seu Chanel Culture Fund , e à Pinacoteca de São Paulo . Munida do desejo de não apenas apoiar a causa artística, mas funcionar como força motriz de sua engenharia, a marca de moda francesa lança em caráter inédito uma residência anual que visa promover mulheres artistas. Estreando o projeto, Juliana dos Santos inaugura sua primeira exposição individual institucional com um trabalho essencialmente cromático que ensaia sobre questões estratégicas usadas por outros artistas negros que abraçaram a representatividade como ponto de partida para suas narrativas visuais.

Tendo como gancho os 120 anos de existência completados pela Pinacoteca, sua união de forças com a Chanel ainda rendeu um baile beneficente que aconteceu nos jardins que conectam o edifício histórico e a Pina Contemporânea, espaço esse que ganhou luzes, cores e muita vida graças à oxigenação promovida pela aliança com a marca de luxo. Pessoalmente, considerei como ponto alto da noite a apresentação do pianista Amaro Freitas tocando Sonho Ancestral. Sem dúvida alguma, o melhor do encontro da moda com a arte é quando ela nos toca para bem além do que estamos vendendo.

Por conta do meu trabalho como jornalista junto ao Iguatemi, participei ativamente da cobertura do Kiosk Le Monde d’Hermès na Praça do Relógio do Shopping. A ativação do quiosque laranja é realmente especial, lúdica e delicada como tudo o que compreende esse universo intelectual e visual chamado Hermès, mas ele funciona essencialmente como suporte de um projeto ainda maior, e que leva o mesmo nome, que é a da maison, fundada em 1973. Eu já havia tido contato com a publicação antes, mas pela primeira vez li-a do início ao fim, até porque o propósito do evento era justamente celebrar sua edição também no português a partir de agora.

Quando uma marca centenária como esta, uma das mais cobiçadas da globo, cuja capacidade produtiva está aquém da demanda por bolsas de couro que custam centenas de milhares de euros, segue investindo em imprimir bianualmente um compilado de materiais, textos, fotos e artes originais, a gente precisa prestar atenção. Porque veja, seria muito mais fácil não fazer nada disso. O que entende essa postura da marca é que com razão ela tem como objetivo promover uma conversa mais elevada e inclusiva para quem pode ter uma bolsa de centenas de milhares de euros.

Parte da programação Hermès em São Paulo incluiu um painel de conversa entre dois artistas que assinam ilustrações para a maison, o brasileiro Filipe Jardim entre eles, e Adrien Barrot, diretor de direção artística da Hermès e, não por acaso, filósofo de formação. Quando questionado sobre como as ferramentas de inteligência artificial se relacionam com uma marca que é essencialmente analógica, Barrot afirmou que, na Hermès, “eles são totalmente legítimos à condição humana; e não utilizam IA apenas porque não a consideram inteligente, mas porque ela é artificial”. Um brinde ao que realmente importa, com ou sem IA!

Pequenas contas de madeira no mocassim de camurça, uma embalagem de shampoo que eleva a experiência do banho e a possibilidade de vestir um lenço que é uma verdadeira obra de arte.

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Acho pretensioso afirmar que sou uma comunicadora, mas aos 42 realizei que minha grande paixão é compartilhar com os outros aquilo que enxergo e interpreto. Recebi o “chamado" da arquitetura quando ainda era criança e, já na faculdade, percebi que os pensamentos por trás dos bons projetos me emocionavam. Em 2005, sem querer querendo fui trabalhar na revista Vogue, e lá descobri que moda e arte, se observados com um olhar profundo, também podem contar histórias verdadeiramente existenciais.

Cinco anos depois, inauguro humildemente esse novo meio de me comunicar com você, que é parte fundamental do meu trabalho. Ao escrever, falar e até mesmo vender, acredito que estou sobretudo prestando um serviço e dividindo uma expertise conquistada, além de uma faísca de emoção que nasceu comigo.

Nunca vou me esquecer de uma frase que ouvi da Daniela Falcão, minha então chefe, em 2014, quando recebi a única proposta de emprego para sair da Vogue em 15 anos de revista: “a concorrência quer e precisa de alguém bem treinada como você, mas o que você tem que é só seu, isso só fará diferença em uma revista como a Vogue”. Foi ali que comecei a forjar o meu valor não só como profissional, mas também como pessoa, o que foi importante inclusive para eu decidir abrir mão de tudo aquilo seis anos depois dessa conversa.

O primeiro assunto que trarei em toda newsletter Barbaridades será, claro, uma pensata sobre moda, e este agosto me surpreendeu especialmente porque acho que, depois de anos de hegemonia dos beges, cinzas, caramelos e marrons, chegou a hora de um certo maximalismo voltar às paradas de sucesso, leia-se às passarelas e araras mais incensadas do globo. Meu primeiro estalo nesse sentido aconteceu em julho, quando analisei o desfile para o verão 2026 internacional da marca Celine, agora sob a direção de Michael Rider.

A Celine, desde meados do século 20 e, mais recentemente, sob a visão única e definitiva de Phoebe Philo, sempre entregou uma elegância utilitária para a mulher, ou seja, é a roupa do dia a dia, só que elevada.

Nas mãos de Rider, o que observamos é que a preferência pelo bege funcional segue na pauta, mas essa atitude básica se desconstrói consideravelmente, tornando-se menos genérica e mais pessoal. Ao combinar bege com tons saturados como azul e vermelho; ao usar lenços de seda estampados como acabamento de parkas e blazers de alfaiataria; ou então ao carregar pescoços com maxipatuás compostos por correntes douradas e pingentes variados, o estilista está personificando o bege de sempre e mostrando que a imagem genérica que a gente vê perpetuada como se fosse uniforme rede social adentro está, de certa forma, com os dias contados.

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Nas últimas semanas, os dois exemplares mais clichê da contemporaneidade quando pensamos em moda e entretenimento viraram assunto em todo tipo de cena, das telas de celular às rodas de bar: os bastidores das gravações de O Diabo Veste Prada II e a terceira e última temporada de And Just Like That, mais conhecido como o spin-off de Sex and The City. Não vou usar esse texto para discutir conteúdo, até porque eu assistiria ambos até o fim – e provavelmente daria nota alta –, ainda que os roteiros fossem péssimos (têm coisas que não são sobre profundidade, e quem viveu na época do surgimento de ambos os fenômenos midiáticos entende meu ponto).

O que me interessa mesmo é falar sobre os looks das protagonistas e sobre como eles foram consideravelmente massacrados pela massa crítica. Meu veredito é que os looks são ruins mesmo, mas não teria como ser diferente, e vou te explicar por quê. Se essas personagens fossem reais, se a Miranda Priestly fosse de fato a editora-chefe da revista de moda mais relevante do globo, daí provavelmente seu guarda-roupa seria interessante num nível que o grande público – o público que compra ingresso para o cinema – não o entenderia. Se seu figurino fosse bom de verdade, O Diabo Beste Prada seria material para Cannes, e não para Hollywood. Hollywood vive de bilheterias de milhões de pessoas, e milhões de pessoas não entendem a Comme das Garçons. Meio pretensioso? Talvez, mas é verdade. A turma dos bastidores de moda que eu tive a chance de conhecer ao longo da última década usa a linguagem de moda de maneira não popularesca, ou seja, participa de uma conversa muito mais conceitual que visual. E a telona precisa de cor e sabor porque, ainda que contenha legenda, não traz esse tipo de nota de rodapé.

E, por falar em cor, nenhum guarda-roupa é mais caricato que o da nossa amada Carrie. A palavra figurino é um eufemismo quando olhamos para aquela overdose de volumetrias, sobreposições e ornamentos – e as amigas não ficam para trás, as novas e as antigas! Quem, em 2025, ainda anda de salto stiletto e chapéu com abas por Manhattan minha gente? Pura utopia fashion, mas também carrega sua razão de ser porque o exagero no vestir ajuda a colocar cada personagem na sua casinha estereotípica, e o público precisa dessa carga visual acentuada para entender diferenças entre papéis que, a grosso modo, não são tão distintos assim. Então uma gosta de tons terrosos, a outra de tons saturados, a terceira de uma cartela pastel e, nesse reducionismo consciente, é que a audiência – talvez tão simplificada quanto o objeto de contemplação – consegue se identificar e enquadrar também. Se Carrie, Miranda e Charlotte fossem tão complexas quanto gostaríamos, inclusive no vestir, daí talvez elas não teriam sido o sucesso que foram.

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Neste mês que passou estivemos na Galeria Estação para conferir a exposição A Céu Aberto, que compila dois grupos de trabalhos de autoria de Santídio Pereira, piauiense que ganhou notoriedade internacional com xilogravuras que, a grosso modo, imprimem de maneira ampliada a silhueta de bromélias. Entre suas novas obras, a série que retrata o universo celestial foi a que mais me chamou atenção. Primeiro porque Santídio teve a habilidade de evoluir com seu repertório imagético sem deixar de lado sua origem – foi o retrato do céu despido da interferência de luz artificial de sua Curral Comprido natal o ponto de partida para seu estudo celestial. Segundo porque reforçou o domínio da técnica que o consagrou, entendendo como as matrizes de madeira que lhe são familiares já carregam “imperfeições" que naturalmente seriam as responsáveis pela impressão pontilhada dos astros.

As noites estreladas, constelações, galáxias e o cosmos de Santídio são parte reais, parte imaginários. "Existe uma história de que, quando houve um apagão em Nova York, as pessoas olharam para o céu e se assustaram com a imagem da via láctea. O céu foi tirado da gente, então minha vontade foi trazer o céu para perto da gente, e esta é uma necessidade humana, e não um discurso regionalista.”

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E já que o high fashion caminha para um lugar cada vez mais afastado do uniforme sem cor, o verão nacional aparece perfumado por um tempero oriental exuberante e altamente desejável.

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